El cánon de proporción humana

¿Cómo inicio un dibujo de figura humana?

Todo dibujante de figura humana debe contar con conocimientos de anatomía del cuerpo humano para poder referir las partes del mismo de manera directa. Además de que se vuelve una ventaja tener este conocimiento previo, dado que también ayuda a ubicar correctamente las articulaciones y músculos más importantes del cuerpo durante la visualización del modelo.

También se necesita tener conocimientos de dibujo natural enfocados principalmente a la técnica de dibujo de figura humana. Dichos conocimientos consisten en aplicar y comprender el Cánon de Proporción Humana, como un principio de análisis del modelo (cuerpo humano) por parte del dibujante.

   
El Cánon es un parámetro que permite medir y comparar las medidas del cuerpo humano durante el dibujo del mismo. Sirve para crear un referente de análisis siguiendo un criterio único.

Dicho parámetro es la medida de la cabeza del modelo, y la aplicación de esa medida a lo largo y ancho del cuerpo para encontrar las distintas relaciones de proporción entre las partes y el todo. 

APRENDIENDO: LA FIGURA HUMANA EN EL ARTE

El cuerpo humano, el dibujo y el arte.

El cuerpo humano ha sido uno de los temas más importantes representados en el arte, por su capacidad expresiva, por su belleza inigualable y sobre todo por su perfección.

Observa en las siguientes obras de arte la técnica y el dibujo de figura humana como una forma de expresión grandiosa y llena de habilidad.

El realismo es la forma de expresión que encontramos en cada una de ellas y las diferentes formas del cuerpo femenino y masculino, desnudo y con la ropa de la época en la que se ha pintado cada cuadro.

"La lechera" J. Vermeer.

Buena parte de las composiciones de Vermeer presentan a la mujer como vehículo para criticar los vicios de la sociedad holandesa de su tiempo, al igual que la mayoría de los pintores de género del Barroco. Sin embargo, encontramos un pequeño grupo -en el que destaca la Lechera- donde se presenta el modelo en "positivo", mostrando a la mujer como ejemplo de virtudes y como modelo a imitar. La Lechera no sólo destaca por su intimista belleza, sino que además ensalza la labor de la criada, criticada.

Vermeer presenta a la mujer en la escena sobria con paredes grisáceas de apariencia humilde.

 “Adam und Eva” . Dos tablas  de un poco más de dos metros de alto que aquel pintor alemán, Durero, pintó alrededor del 1507, con gran maestría y conocimiento de la técnica de pigmentos aglutinados en aceite de linaza, el óleo.

El tema de Adán y Eva que hunde sus raíces en los principios de la representación cristiana, a través de los siglos y los distintos estilos nos ofrece una visión de cómo se ha ido entendiendo el desnudo con el paso del tiempo, puesto que este supone un trabajo anatómico de rigor  si no en la construcción de una postura, si en el dominio de la representación  de ambos sexos al completo.

La Resurrección de Cristo de 1612 es la más pequeña de las obras de Rubens en un central de 138cm × 198cm y dos paneles laterales (138 × 40 cm).La disposición de las figuras ocupa todo el espacio pictórico, organizándose la composición en una potente diagonal que avanza desde el fondo de la tabla hasta el espacio del espectador, otorgando un ritmo lento a la escena. Las figuras presentan escorzadas posturas, aportando mayor tensión al conjunto. Las tonalidades brillantes y el detallismo de las telas son características habituales de la pintura flamenca.

El retorno del hijo pródigo es una obra del pintor holandés Rembrandt. Está realizado en óleo sobre tela,  en el año 1662.  Mide 262 cms. de alto y 205 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Ermitage de San Petesburgo (Rusia).

El cuadro se inspira en la parábola del hijo pródigo contenida en la Biblia. 

Las obras que siguen, (abajo) fueron expuestas en el Museo d´ Orsay en la expo- sición Masculine/Masculine, muestran imágenes de desnudos masculinos a lo largo de la historia. Como un homenaje al cuerpo masculino quien a diferencia del femenino no ha sido presentado tan a menudo. No obstante, la desnudez masculina formó parte, durante mucho tiempo, de las bases de la formación académica del siglo XVII al XIX y constituye una línea de fuerza de la creación en Occidente. Apoyándose en la riqueza de su propio fondo se intenta profundizar, en una lógica a la vez interpretativa, lúdica, sociológica y filosófica, todas las dimensiones y sentidos de la desnudez masculina en el arte.

Mercure. de Pierre et Gilles.

Igualdad ante la muerte de William Bouguereau

Danger de Fléau.

Abel de Bellanger

DIBUJO DE FIGURA HUMANA

La figura humana como modelo en el dibujo artístico.

Para entender los temas y actividades a realizar en esta etapa debemos considerar que el dibujo de figura humana se ha constituido en una especialidad temática dentro del dibujo artístico.

Así podemos pensar que existen varias maneras de representar el cuerpo humano mediante el dibujo, entre ellas podemos distinguir:

• Dibujo de figura humana femenina
• Dibujo de figura humana masculina
• Dibujo del desnudo femenino ó masculino
• Dibujo infantil
• Retrato femenino ó masculino
• Retrato infantil

Para iniciar un dibujo de figura humana el dibujante habrá de tener conocimiento de la anatomía general y particular del cuerpo humano, esto para obtener una referencia mental y visual más cercana al modelo que ha de dibujar.

El espacio de trabajo

En este tipo de dibujo es muy importante el espacio en el cual se planea la clase de dibujo ya que esto facilita la visualización y concentración del dibujante y el modelo.

Se requiere de espacios iluminados de manera natural y artificial en los cuales el modelo podrá posar y ser rodeado por los dibujantes.

Práctica 2 Iniciación al dibujo de sombras

Mirar las sombras

Tipos de luz y sombra

La representación de la luz y la sombra en el dibujo

Inicio, prepara tus lápices

ejemplo de achurado en boceto

El Tono en el dibujo

PRESENTACION DIBUJOS a LíNEA

https://docs.google.com/presentation/d/1TngrQ0KQsggvPJnyPzzUXxOe0sXidYUj5CXC7v_KAXk/edit#slide=id.p14

La línea expresiva

Líneas entrecruzadas

La linea quebrada de este dibujo es una buena elección. Contribuye a retratar la agresividad del personaje.El sombreado demuestra un excelente dominio del dibujo. El autor es Jesús Alonso, dibujante de cómics e ilustrador.

Tradicionalmente se contraponen los conceptos de línea y de mancha, entendiendo que al segundo le corresponde las gradaciones de la luz y volumen. Pero con línea también se pueden conseguir. Normalmente los sombreados con línea son muy frecuentes en la historia de la pintura.

Autorretrato de Rembrandt. Sombreado clásico con lineas entrecruzadas

Del mismo autor , un apunte mucho menos acabado que muestra una clara linea de contorno quebrado y un sombreado más libre, con cruzados en direcciones variables.

En este retrato de Toulouse Lautrec la linea que configura el pelo es mucho más libre de lo que podía ser la rubeniana. El sombreado apenas sigue la estructura del cabello en el peinado, prima el efecto lumínico que contribuye a resaltar la cara. La linea apenas esbozada del traje contribuye a resaltar la parte más importante.

Cualquier linea puede ser utilizada con fines estéticos. En este caso todo un entramado de lineas que no parecen representar nada configuran un fondo que resalta la parte acabada. 

Una opción que también es útil manejar es dibujar con lineas muy suaves, muy poco marcadas, de manera que forman un contorno grueso que se puede utilizar como base de un sombreado apenas insinuado. Sobre este trabajo, se marcan con mayor fuerza y carácter las lineas que configuran la parte más que más interesa resaltar del dibujo. Valga como ejemplo este retrato de sir Thomas Elliot, de Holbein.

Rubens muestra el mismo proceso en este dibujo de su hijo. Unas lineas muy suaves delimitan las formas y el contorno. Aprovechar el trazado de la linea para hacer el cabello es un recurso habitual, ya que los mechones guardan una gran similitud iconográfica con su resolución.

Cualquier dibujo puede llevar aparejados "arrepentimientos". Los brazos de esta mujer de Degas muestran tres o cuatro posiciones distintas. Sin embargo el pintor no descartó la imagen y siguió trabajando hasta configurar las lineas definitivas.

Rodin utiliza la linea sinuosa, es una de sus favoritas, pero en su caso la resalta , obsesionado por captar la articulación del movimiento, que plasmará en sus esculturas. Es la liberación del dibujo acabado, del efecto fresco del apunte, que ensalza la mano del artista, su gesto, por encima de un resultado muy acabado y cerrado.

Revisa la siguiente presentación, Observa la calidad de las líneas de estos dibujos y disfruta:

La línea expresiva

Expresión de la línea

En el dibujo siguiente, Toulouse Lautrec rompe conscientemente la continuidad del trazo para resaltar los cambios de dirección. La diferencia en la intensidad del trazo también contribuye a potenciar las lineas más importantes

El uso de la línea quebrada aumenta la facilidad expresiva. No define un contorno limpio, pero se utiliza muchas veces para dibujos de gran expresividad pictórica. Cambiando la presión se consi- guen diferencias de grosor que hacen más interesante el dibujo. El peligro es creerse en el poder demiúrgico del trazo propio y enmascarar la falta de destreza en un supuesto deseo de manifestar la personalidad.

El aparente caos de Los dibujos de Giacometti se entiende cuando se observa que la forma surge por acumulación de lineas. En realidad de esa maraña surgen figuras de gran belleza .

Dibujo a línea

Práctica de la línea en dibujos

La línea pura directa requiere una gran práctica, como podemos ver en estos dibujos de grandes maestros.

     

Un siglo separa estas dos formas de entender el dibujo. El de arriba es el de un maestro de principios del XIX, Ingres, adalid del clasicismo. Ha trabajado con una cuadrícula el retrato y cuando está seguro, lo remarca con una linea de gran limpieza y seguridad. 

Debajo, Egon Schiele, representante de la vanguardia de principios del XX en Viena, desarticula la figura humana, dotándola de una expresividad atormentada, que no sólo por la postura, sino que el tratamiento de una linea segura pero vibrante contribuye a esta misma fuerza

A Klimt le interesa resaltar la cara y el brazo que expresan la melancolía de la mujer, por lo que las termina de forma resaltada , mientras que aboceta el resto

Modigliani alterna la linea de un sólo trazo, limpia , que sigue visible en el brazo y la pierna. El resalte del fondo potencia la separación fondo-figura. 

Una variedad de línea pura es la sinuosa. Maestros en su uso son Matisse y Picasso. 

  

Dibujo artístico y la línea

La línea

La línea es el primer elemento del dibujo. Dibujar es ordenar, construir un espacio cuya estructura sustentan líneas. Elegir cuales y cómo trazarlas es lo que trabajaremos en este aprendizaje.

Para empezar, lo que más resalta en cualquier dibujo es el contorno, es decir la línea que configura la forma exterior de un dibujo.

Abstraerse de las líneas interiores para sintetizar la forma externa es un ejercicio que requiere habilidades que hay que practicar. Las líneas interiores, que definen cómo está hecha la forma resultan muy útiles para dibujar. Son el dintorno. El dintorno completa al contorno y permite establecer relaciones entre las formas exteriores y las interiores

Un maestro de la linea, Retrato de Gustav Klimt.

Bajo esta aparente simplicidad, se encuentra una enorme paleta de soluciones para un buen dibujo a línea.

Si se optas por la línea limpia, o pura, primero debe existir un encajado suave, que permita insertar esta línea para acabar los contornos con mayor seguridad. Esta línea no es continua, sino que se interrumpe, afilándose cuando es necesario para indicar un cambio en el grosor o la importancia de lo dibujado.

En esta manga dibujada por Leonardo da Vinci,  la linea se estrecha o ensancha en función del grosor de los volúmenes que representa.